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Un recorrido por los tres grandes templos griegos de Paestum

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Sabías...qué es el jade PDF Imprimir E-mail
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Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)   

JadeBi0   JadeCong0

                                                  Bi                                                                                                 Cong

El jade o nefrita (silicato de calcio y magnesio) es uno de los materiales artísticos que con más antigüedad utilizará la cultura china, sobre todo con funciones rituales y religiosas. No es de extrañar: sus valores de dureza, textura, transparencia, brillo y color, y la dificultad que entrañaba su talla que sólo era posible por abrasión, pronto lo asociaron a las fuerzas de la naturaleza, adquiriendo un valor simbólico de vida virtuosa y de poder y posición social. Realmente el jade es otro de esos descubrimientos chinos que nos sorprenden, porque las piezas de jade, a medio camino entre la talla y la orfebrería, consiguen unos efectos de luz y transparencia, realmente espléndidos, a lo que habría que añadir sus brillos resplandecientes por sus vetas de colores verdes, azulados u ocres,

Como hemos comentado, los objetos realizados en jade casi todos están dedicados a usos religiosos, rituales u ornamentales, destacando dos piezas relacionadas con el culto funerario de una gran repercusión en la cultura china: el bi y el cong. El bi es un disco, cuya forma circular se identifica con el cielo y el universo. Los más antiguos, de época neolítica carecían completamente de decoración, si bien con posterioridad, a partir de la dinastía Zhou se decoran con motivos geométricos o figurativos, fundamentalmente animales. Si los bi representan el cielo, los cong, representan la tierra, siendo objetos asociados siempre a los anteriores y que permitían el contacto del difunto entre cielo y tierra, siendo además protectores de su inmortalidad. Los cong son objetos tubulares de sección cuadrada con una cavidad circular en su interior, que en general carecen de decoración externa.

Son también habituales en jade las figurillas pequeñas, la mayoría ornamentales y casi siempre representación de todo tipo de animales.

También las culturas precolombinas mesoamericanas utilizaron el jade. Olmecas, mayas o aztecas, entre otros, utilizaron el jade como amuletos y piezas de valor simbólico pues lo relacionaban con la vida y la fertilidad. Tal vez la pieza más famosa corresponda a la máscara del rey Pakal II (S. VII) encontrado en la ciudad maya de Palenque (Chiapas), hoy en el Museo Nacional de Antropología e Historia de México.

Jade pakal0

Rey Pakal II

 
Louise Nevelson PDF Imprimir E-mail
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

000 Louise Nevelson

"En toda la Bienal [...de Venecia, nº 31, 1962] hay sólo una personalidad digna de mención que puede parcialmente entrar en esta categoría ["neodadaismo"] y que constituye, por otro lado, el único "descubrimiento" importante de la actual muestra. Se trata de la escultora norteamericana de origen ruso Louise Nevelson, que desde hace tres o cuatro años hemos venido siguiendo atentamente porque nos parece una de las figuras más auténticas en el panorama moderno. L. Nevelson ha sabido crear no sólo una particularísima y original técnica expresiva, sino que ---y ello constituye su mérito mayor--- ha sabido realizar una "atmósfera espaciotemporal" que surge y se desarrolla gracias a una especie de "presentificación" de los residuos insertos y acumulados precedentemente, ya sea como materiales de experiencia, como posible anticipación o como imagen esbozada de "aquello que puede sobrevenir".

Penetrar en las tres pequeñas salas del pabellón norteamericano: una, completamente barnizada de negro, otra de blanco, y la tercera dorada, contemplar las paredes, agrupadas en el centro de la curiosa construcción de refinada menuiserie, constituye, para el visitante atento, una experiencia nueva. El Erlebnis ["vivencia"] de un ingreso a una dimensión temporal diferente, donde está presente, aún sin desenvolverse, un universo en el que se han decantado los recuerdos polvorientos de un pasado totalmente exhausto, y donde ya se han abierto las puertas a un posible futuro, que se revela no sólo como fragmento momificado y fetichizado para "colgar en la pared", sino como realización de una "pintura-escultura-ambiente". Este Erlebnis se transmite a través de las constantes y coherentes repeticiones, y de la obsesiva reiteración; a través de elementos homólogos (siempre los mismos: bolos y espinazos o respaldos de sillas, columnas torneadas, fragmentos de madera amontonados), apilados hasta formar absurdas construcciones, todo cubierto por una opaca y homogénea pintura negra, blanca o dorada, parte de una funcionalidad exasperada, que carece de una finalidad utilitaria para quien está afuera, si no es la que se podría definir como finalidad onírica y extratemporal. Poco importa saber cuáles han sido los orígenes de estas formas retorcidas: si las bases de antiguas construcciones coloniales, si recuerdos de pasadas experiencias arqueológicas realizadas por la artista, si colección coercitiva de formas análogas, idolatradas por su recóndito significado lúdico o mitagógico; el hecho es que Nevelson ha conseguido ofrecernos un ejemplo clamoroso de la necesidad actual de "fijar lo transitorio", y al mismo tiempo, de "fetichización del residuo".

Pero no valiéndose del residuo como aparece frecuentemente en las obras que corresponden al junk art, o sea como fragmento lacerado, repelente, como plancha retorcida, como resto amorfo, o como estólido assemblage de trastos varios agrupados al azar. Por el contrario, la artista norteamericana ha recogido cientos de fragmentos de madera y los ha amalgamado cuidadosamente, valiéndose de ellos como materia prima para sus construcciones, como letras de su personal alfabeto que fácilmente podemos tratar de descifrar y decodificar. Y es con estos elementos, distintos pero llenos de unidad, cómo la artista intenta organizar obras más complejas, como los majestusos, severos ---y, no obstante, lúdicos--- tótems, y las paredes, "los muros", que en la muestra veneciana constituyen la base de la escultura-ambiental. Y precisamente de estos muros ---a su vez subdivididos en misteriosas cajas, en nichos apenas abiertos, por cuyas pequeñas puertas se entrevén los recurrentes elementos constitutivos--- es de donde surgen los temas de un tiempo terminado pero todavía activo, que denuncia la intencionalidad de un continuamente renovado futuro."

(Gillo Dorfles: "El devenir de la crítica". 1962)

Para acceder a la web de la "Louis Nevelson Foundation", pinchar AQUÍ.

Para ver la influencia de la obra de la pintora y escultura ucraniana Louise Nevelson (Kiev, 1899 – Nueva York, 1988) en la trayectoria de artistas actuales podemos ver el siguiente vídeo.

 
Los templos de Paestum PDF Imprimir E-mail
Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)   

Dim lights

Dim lights

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Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)   

Templo de Hera (Hera I)

Templo de Atenea

Templo de Poseidón (Hera II)

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La antigua colonia griega de Poseidonia fue fundada por griegos procedentes de Sybaris, en Calabria, alrededor del S. VII a. C. Dedicada al dios del mar, Poseidón, sería más tarde una próspera localidad romana, adquiriendo entonces su nombre actual. Hoy es una maravillosa ruina situada apenas a 90 kilómetros al sur de Nápoles.

Destacan en ella los tres templos que vamos a comentar, así como parte del antiguo ekklesiasterion (convertido por los romanos en comitium), restos del foro romano, un pequeño templo del S. II a.C, y parte de las murallas de la ciudad.

Pero sin duda es la visión de los tres grandes templos de época griega lo que hace de Paestum un lugar tan mágico e inolvidable como cualquier otro que conserve la ruina de la civilización helénica.

Cronológicamente el primer templo sería el Heraion o templo de Hera I, también conocido como La basílica; posteriormente se construye el Templo de Atenea, denominado asimismo como Templo de Ceres. El más reciente de los tres y también el mejor conservado es el templo de Poseidón, denominado también como el templo de Hera II.

El primero, el templo de Hera o Heraion, construido a mediados del S. VI a.C, es un edificio singular, y que tal vez por su temprana cronología resulta un tanto atípico dentro de la ortodoxia constructiva del templo clásico puro. Se trata de un eneástilo, períptero de orden dórico. Ya este número de columnas en los lados cortos es poco habitual, como también lo es su perístasis, que no responde al criterio que será canónico más delante de sumar una al doble del número de columnas de la fachada, sino que en este caso dispone del doble justamente, por lo que tiene por tanto 18 columnas en los lados largos. Tampoco la naos es muy común porque presenta una línea de columnas en el centro de la habitación a modo de eje axial que la divide en dos estancias, con dos entradas además a cada una, lo que hace pensar en una doble advocación, y es precisamente lo que llevó a la confusión inicial de pensar que se trataba de una basílica romana y no de un templo, de ahí el nombre que en origen se le dio erróneamente. En cualquier caso y como es habitual en todos los templos helénicos, las celebraciones rituales se organizarían al exterior del edificio, como lo prueba la existencia de un pequeño altar al aire libre situado frente a la fachada principal.

Distribuye el espacio de la manera habitual, con las habitaciones características del templo clásico: pronaos, naos (de la que ya hemos hablado) y opistódomos, respondiendo además a unas dimensiones cuyo módulo de proporcionalidad, al menos en estas estancias, es el característico de modelos posteriores. Pero por lo demás denota su antigüedad también en otros elementos y recursos decorativos, hasta convertirlo en uno de los ejemplos más arcaicos de la arquitectura griega: así la decoración del capitel con motivos vegetales en el collarino y el equino que imita ejemplos de época micénica; el notable éntasis de las columnas, o el tono general de maciza monumentalidad que le otorga su canon constructivo.

Solo se conserva la columnata perimetral y el arquitrabe del entablamento, construido todo ello en travertino. Contaría probablemente con decoración de terracotas pintadas en la parte superior. Así como antefijas en forma de palmeta en el tejado.

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En cuanto el templo de Atenea, es el segundo en orden cronológico, levantado a finales del S. VI a.C. Se trata en este caso de un hexástilo, períptero, de orden dórico, aunque curiosamente, la pronaos abre columnas de orden jónico, en un curioso ejemplo muy temprano de combinación de órdenes. La peristasis del templo en este caso sí responde al canónico habitual de multiplicar al doble más uno el número de columnas de la fachada, si bien carece de opistómos.

También su temprana cronología denota su arcaísmo, aunque en general resulta menos robusto que el anterior debido a sus menores dimensiones, pero aún así las columnas presentan un notable éntasis, y los triglifos y metopas del friso resultan algo mayores de lo habitual y más altas que el arquitrabe. Eso y su estado de conservación, con el frontón estrecho en relación a la anchura de la columnata, lo mismo que el friso, le da a este templo hoy una curiosa apariencia, como si el edificio estuviera tocado de una peineta.

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Por último, el templo de Poseidón, también llamado de Hera II, es el más reciente de los tres, ya de mediados del S. V a.C. El templo estaría al parecer dedicado al dios Apolo, y eso pesar de sus nomenclaturas, nacidas de un inicial desconocimiento que llevó a pensar en advocaciones relacionadas con el patronazgo de la ciudad (Poseidón) o en la misma del templo precedente construido a su lado (Hera), del que podía ser una nueva versión renovada.

Es un hexástilo, períptero, de orden dórico. Se construye en travertino, pero sería recubierto con estuco blanco, y decorado en capiteles y entablamento con motivos vegetales pintados. El frontón carece de esculturas pero estaría pintado en un vistoso tono ocre. Lo  mismo que triglifos y metopas, que carecen de relieves, pero probablemente estarían coloreados con una combinación de tonos rojo y azul de gran vistosidad.

Cuenta con una disposición habitual de pronaos, naos y opistódomos, y un canon bastante proporcionado, si bien el éntasis de las columnas resulta excesivamente grueso, más incluso que el de los templos precedentes, lo que termina por otorgarle al edificio una sensación un tanto pesada.

Al interior, el sistema de soportes de toda la techumbre se soluciona por medio de columnas de orden dórico sobre montadas por otras de menor tamaño del mismo orden. Un caso singular en la arquitectura griega de la época.

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El arte por el arte PDF Imprimir E-mail
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

 000 Baudelaire retrato

L´art pour l´art fue un movimiento relacionado con el romanticismo. Nació en el período postrevolucionario del mundo burgués, junto con el realismo, que se proponía explorar y criticar la sociedad. L´art pour l´art ---la actitud adoptada por un gran poeta, por un poeta fundamentalmente realista, Baudelaire--- es también una protesta contra el utilitarismo vulgar, y las ásperas preocupaciones mercantiles de la burguesía. Su origen radica en la decisión del artista de no producir mercancías en un mundo donde todo era mercancía. Walter Benjamin, el gran filósofo alemán que se suicidó en 1940 después de haber huido del régimen hitleriano, escribe sobre Baudelaire:

"...fue el primero en comprender que la burguesía estaba retirando sus encargos al artista. ¿Qué otro encargo social podía reemplazarlo? Ninguna clase podía suministrarlo: el único lugar donde el artista se podía ganar la vida era el mercado de inversiones. A Baudelaire no le interesaba la demanda manifiesta, a corto plazo, sino la demanda latente, a largo plazo... Pero, por su propia naturaleza, el mercado ---donde había de descubrirse esta demanda--- imponía un tipo de producción y un modo de vida muy diferentes a los de los poetas anteriores. Baudelaire se vio obligado a reivindicar la dignidad del poeta en una sociedad que no disponía ya de dignidad alguna que atribuir."

Lo esencial en esta argumentación es que el mundo burgués era ya incapaz de "encargar" la obra de Baudelaire, ni siquiera en sentido indirecto y que, por consiguiente, el poeta producía para un mercado inexistente, anónimo ---de aquí el "arte por el arte"---, pero con la esperanza de encontrar un público o un consumidor eventuales, desconocidos. Se encuentran en Baudelaire muchas observaciones personales que demuestran lo ambivalente de su actitud... Su arte no quería saber nada del mundo burgués, rechazaba con arrogancia al lector burgués; pero, al mismo tiempo, intentaba fascinarle con efectos sorprendentes. Baudelaire hablaba de la aversión que le producía la realidad pero también hablaba del "aristocrático placer de no gustar". Su aversión por la realidad le impulsó a refugiarse en l´art pour l´art; su aristocrático placer le movía a atemorizar al despreciado burgués con una belleza terrorífica, con centelleantes instrumentos de tortura. Se negaba a producir para el comprador burgués per creía en un mercado literario y producía para él como test definitivo. Recordemos las palabras de Marx sobre el principio formulado por los economistas capitalistas ---la producción por la producción---; "la ciencia por la ciencia" o "el arte por el arte" son principios correspondientes. En cada caso el mercado acecha en el fondo de la escena. L´art pour l´art es, pues, un intento ilusorio de romper unilateralmente con el mundo capitalista y burgués y, al mismo tiempo, un confirmación de su principio de "la producción por la producción".

(Ernst Fischer: "La necesidad del arte". 1959)

 
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