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Petrus Christus

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Petrus Christus, y su famoso "Retrato de una joven dama"

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William Blake

Otros artistas - Otros artistas

Comentario al artista y vídeo de su obra.

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Giotto di Bondone

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Vídeo sobre la vida de este pintor del Trecento italiano.

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Encontrado el Relieve de la Anunciación del Monasterio de Cambrón (Zaragoza)

El Arte y su mundo - El Arte y su mundo

El Relieve de la Anunciación del Monasterio de Cambrón (Zaragoza) encontrado en la Universidad de Yale (USA).

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Comienza el año Van Gogh

El Arte y su mundo - El Arte y su mundo

En 2015 se conmemoran 125 años de la muerte de Van Gogh.

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Feliz Navidad

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Con nuestros mejores deseos.

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Magdalena de Vézelay

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Sobre la portada de la Basílica de la Magdalena de Vézelay

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Renoir

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Filmación del pintor

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Monet en Giverny

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Vídeo de la época con la presencia del pintor en Giverny

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El carril bici de la Noche estrellada

El Arte y su mundo - El Arte y su mundo

Un carril bici para "La noche estrellada"

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Petrus Christus PDF Imprimir E-mail
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Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)   

PetrusChristusChica0

Petrus Christus es discípulo de Van Eyck, y como tal, transita a medio camino entre el Renacimiento nórdico y la tradición gótica. Su Retrato de una joven dama, o Retrato de una muchacha se ha convertido en una de las obras más populares de su autor, aunque es de la que menos información se ha podido recabar, pues desconocemos quién es la protagonista, además de ser un retrato singular en el conjunto de la obra de Christus, que aunque trabajó este género, no lo hizo con esta simplicidad y frescura, siendo mucho más conocida su obra de carácter religioso.

El caso es que se trata de una pintura un tanto contradictoria. Es una obra directa, a pesar de que la mujer parece distante, y de hecho es un retrato que nos atrapa con la primera mirada, a pesar de que la actitud y la expresión de la muchacha parezcan mostrarse para lo contrario.

¿Cómo ha conseguido embaucarnos a pesar de todo? Miremos el cuadro, miremos su sencillez: el fondo neutro, la composición simétrica, la figura sin exhibiciones minuciosas de hiperrealismo (apenas un collar de cuentas sencillo, su simple corpiño y la cenefa que recorre su cofia). Tampoco hay juegos de perspectiva que despisten la tención del espectador, como también hubiera sido habitual en el contexto de la obra. Pero sorprendentemente, sobre ese fondo impreciso destaca la figura de una forma inmediata y directa ante el espectador. Y estalla la luz sobre ella a nuestros ojos, una luz blanquecina y radiante desde la que la muchacha nos sorprende como una espléndida aparición. Y de esa aparición nos enamora su mirada. Discreta y serena, elegante y noble. Es probablemente el mayor mérito de la obra, la carga expresiva que es capaz de transmitir con los mínimos recursos (de nuevo la simplicidad). Parece que no exprese nada, y sin embargo en ese rictus aparentemente frío y distante, en su mirada sesgada, en sus labios contritos, en su suavísimo claroscuro (precedente sin duda del sfumato leonardesco), se concentra toda la sensibilidad que esconde. La de una belleza pura y blanca.

Veamos también un vídeo que completa este análisis, y que además, de paso, puede servir para refrescar nuestro inglés.

Dim lights

 
Ron Arad PDF Imprimir E-mail
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

 

Ron Arad (Tel Aviv, 1951), es uno de los diseñadores actuales más espectaculares, adicto a las curvas sinuosas de los orgánico y a la experimentación con los materiales, que ha desplegado una creatividad infinita aplicada a multitud de objetos cotidianos y espacios arquitectónicos. Ha cosechado además, este asociado de la arquitecta iraní Zaha Hadid, un gran éxito comercial. Desde platos, jarrones, lámparas, sillas, camas, interiores, duchas, hasta edificios para museos, hoteles, por citar unos pocos tipos, Arad ha recibido premios, por poner unos pocos ejemplos, por su diseño a la mejor recepción de hotel, a su estantería-gusano, a un bar-restaurante, a una remodelación hotelera, etc.

El Museo de Arte Metropolitano de Nueva York (MOMA) le dedica un amplio monográfico ("No discipline") en su web que constituye una retrospectiva de toda su obra. Para acceder pinchar AQUÍ.

Para acceder a la web de la compañía de Ron Arad, pinchar AQUÍ.

 

 
William Blake PDF Imprimir E-mail
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Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)   

Blake0

La escalera de Jacob. British Museum. Londres. 1805.

William Blake (Londres 1757-1827) fue un artista poco conocido en su época y que quedó al margen de los  movimientos pictóricos del momento. Un autor por tanto que no parecía llamado a protagonizar una revisión de la plástica contemporánea con una importante incidencia posterior. Es más, ni tan siquiera puede considerarle propiamente como pintor, en parte porque principalmente ha pasado a la historia como escritor, y porque como artista plástico sería más preciso definirlo como ilustrador. En este sentido se sintió identificado con la actividad de los iluminadores  medievales, de lo que extraemos una connotación romántica que en este caso sí lo acerca a la estética de sus contemporáneos. Como ellos, dibujó e ilustró sus propios textos, de tal forma que muchas de sus imágenes son parte de su literatura y viceversa, razón por la cual su plástica adquiere un estilo enormemente peculiar, ya que en muchas ocasiones se puede considerar una expresión literaria en imágenes.

De ahí también que sus estampas sean de figuras planas y carentes de perspectiva, al buscar precisamente el efectismo de la planitud, sin dejar que la superficie del papel perdiera su propia cualidad bidimensional.

Pero la singularidad de Blake va mucho más allá. Él, como otros artistas visionarios de su época (véase Boullé en arquitectura o Piranesi por sus grabados) se siente atraído por un mundo fantástico y extraño, una realidad diferente a la nuestra, en la que él encuentra el único camino para la regeneración del Hombre. En el fondo es la respuesta a una realidad pesimista de la que se quiere huir. Blake la encuentra en sus apariciones fantasmales, en su universo de noches y tinieblas.

Plásticamente todo ello se traduce en una concepción muy simple de la representación, en la que cobra una importancia extraordinaria la luz, siempre efectista y contrastada, y el color, de gamas poco habituales y que contribuye a concebir la iluminación de sus obras en tonos crepusculares aún más misteriosos y fantásticos. Téngase en cuenta además que tanto sus técnicas de ilustración, como sus acuarelas le otorgan además a la luz un carácter licuado que alejan sus imágenes de la realidad cotidiana.

Al identificarse tan estrechamente con sus textos ya hemos hablado de su planitud, pero por la misma razón sus composiciones se desentienden de cualquier criterio realista distribuyéndose las figuras por todo el papel, aunque suele enfatizar el centro de la superficie ilustrada, de la que suele irrumpir una figura que parece así, entre la tiniebla, una auténtica aparición.

A todo ello hay que añadir también una influencia evidente de Miguel Ángel, especialmente en la concepción de las anatomías de sus figuras, cuyo vigor y fortaleza recrean la misma tensión que las musculaturas miguelangelescas. Aquí en todo caso prevalece el sentido del dibujo, con una especial precisión en la línea, que una vez más contribuye también a la irrealidad de las imágenes.

En resumen una representación mística, pero que en este caso no responde a una religión determinada. Más bien es al contrario. Es la visión mística de quien ya no cree en ninguna religión y ve el mundo abocado al desastre por falta de una espiritualidad acertada. Es por ello una visión apocalíptica, y sus imágenes llenas de la misma irrealidad que las de la época románica (de los códices e iluminaciones de la Alta Edad Media) buscan precisamente en su misticismo, en su espiritualidad, como aquéllas, un camino de introspección, de reflexión y de sublimación del mundo terrenal y materialista.

Dim lights

Blake000

Newton. Tate Britain. Londres. 1795-1805.

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El anciano de los díasWhintworth art Gallery. Manchester. 1794.

 
Impresionismo y moda: corset en satin créme avec volants PDF Imprimir E-mail
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

 

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Hace un par de años el Musée d´Orsay (en colaboración con el Instituto de Arte de Chicago y con el Metropolitan Museum de Nueva York) organizó una exposición dedicada a re-mirar el Impresionismo desde el punto de vista de la Moda y, a la vez, una mirada a la Moda a través de las obras de los impresionistas. El mundo de los vestidos, la lencería, los corsés, el maquillaje, el erotismo, etc., que tan pródigamente recrearon los pintores impresionistas (y Manet a la cabeza de todos ellos) se nos muestras en seis breves apartados-vídeos donde se comenta el papel que tuvieron los impresionistas, se analiza a la mujer parisina (como modelo de mujer a la moda de la época), podemos ver a Karl Lagerfeld comentando la moda de aquellos años a la vez que realiza un croquis de un vestido, o bien se glosa la importancia de la ropa interior, el papel que jugó la fotografía (Degas fotógrafo) y el cine, o la pasión del poeta Mallarmé por las revistas de moda.  A cada apartado corresponde en la parte inferior una página con diversos textos y vídeos que complementan, amplian y actualizan el tema de la moda en los años del Impresionismo (un video con un semi strip-tease de Dita von Teese en un desfile de moda de Jean Paul Gaultier, o escuchar una canción de Serge Gainsbourg sobre la ropa interior "chic" (“Les dessous chics”), por ejemplo). Para acceder al monográfico-web pinchar AQUÍ.

 
Salvator Rosa PDF Imprimir E-mail
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Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

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“Vasari había hecho frecuentes y explícitas alusiones al “temperamento artístico”, pero hasta el siglo XVII no tuvo aceptación general, y no cristalizaría en artículo de fe hasta el siglo XVIII. […] Sobre este telón de fondo del artista como ser excepcional e inspirado (idea que todavía se expresaba sólo rara vez) es como hay que examinar algunos aspectos de la carrera de Salvator Rosa [Nápoles, 1615 – Roma, 1673], el pintor que más hizo por dar vigencia a esta idea. La publicación de sus cartas ha revelado a un hombre que claramente era un hipocondríaco. Aún así sigue siendo una figura de importancia excepcional, y lo sería, aunque no hubiera hecho más que deslumbrar y fascinar a su contemporáneos con la extravagancia de su conducta y crear así, casi sin ayuda, la imagen del artista como un ser aparte. Es una imagen que halla expresión concreta en su numerosos autorretratos, tan radicalmente distintos de los amables rasgos de sus compañeros de profesión. Pero Salvator Rosa hizo mucho más que esto. Está bastante claro que fue un hombre (el único hombre) que encontró las restricciones inherentes al carácter del patronazgo de su época fastidiosas e intolerables, y por tanto se propuso pasar sin ellas. […]

Pero Salvator Rosa estaba empeñado en una batalla aún más seria. Él, el único entre sus contemporáneos, estaba afirmando el derecho del pintor a la independencia artística, tal como el término podría entenderse hoy. […] Sabemos, por ejemplo, que rehusaría aceptar el depósito que, sin excepción, se daba a los artistas como garantía del encargo. Y se nos cuenta concretamente que lo hacía no para obtener después una oferta mejor, sino porque no quería “esclavizar su voluntad”, comprometiéndose a terminar una obra cuando podía tener la idea de otra mucho más interesante, que tendría que posponer por sus obligaciones previas. “No pinto para enriquecerme”, escribía jactancioso a un posible cliente, “sino puramente para mi propia satisfacción. Debo dejarme llevar por los raptos de entusiasmo y usar mis pinceles sólo cuando me siento transportado”: una declaración asombrosamente temprana de la completa entrega del pintor a la inspiración. En cualquier caso, solía él afirmar, es inútil fijar el precio de una pintura ANTES de haberla empezado. El precio tendría que depender de la calidad de la obra terminada. Esa lanza a favor de los caprichos del talento hería las raíces mismas de la concepción generalmente establecida de que las capacidades de un artista podían tasarse por adelantado. Dando a entender que un pintor bien podía hacer un cuadro malo en vez de uno bueno, Salvator Rosa, paradójicamente, estaba haciendo un alegato mucho más ambicioso de la superioridad del arte que cualquiera de sus rivales, los cuales tan asiduamente cultivaban una respetable urbanidad. Él insistía en no dar más que lo mejor de sí. “Por lo poco que ha podido hacer con él”, escribía un agente, “puedo ver que antes se dejaría morir que permitir que la calidad de su producción perdiera reputación”.

Esta integridad, así como su apetito de publicidad, su defensa de la independencia y de la inspiración, y su aparente excentricidad estaban todas estrechamente ligadas, e impresionaban a sus contemporáneos más serios tanto como su extraña e irregular conducta intrigaba a los cronistas de chismorreos de la época. Algunos de ellos al menos entendieron el significado de su comportamiento. Al resumir su carrera, Baldinucci dejó el asunto bastante claro: “De pocos, o ninguno en realidad, de los pintores que vivieron antes o después de él, o fueron contemporáneos suyos, encuentro que pueda decirse que mantuvieran la estima debida al arte como él lo hizo”.

Sin embargo, la parte negativa de este comentario es tan importante como la positiva. Salvator Rosa no tuvo verdaderos seguidores en sus intentos de cambiar los esquemas del patronazgo artístico. Creó la imagen del artista que sólo sería apreciada plenamente por los románticos del siglo XIX. En su propia época estuvo solo.”

(Francis Haskell: “Patronos y pintores”. 1980)

 
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