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El engaño perfecto de Borromini

Vídeoteca - Vídeoteca

Sobre el famoso trampantojo del arquiteto italiano en el Palacio Sapada de Roma.

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Las Meninas en 360º

El Arte y su mundo - El Arte y su mundo

Una visión diferente del taller de Velázquez.

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Bernini y el mito de Poserpina

Vídeoteca - Vídeoteca

Vídeo alusivo a la obra de Bernini: "El rapto de Proserpina".

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De vuelta al Museo Nacional de Irak

Museo dia - Museo día

Reabre proximamente el Museo Nacional de Irak.

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Una partitura de El jardín de las delicias

El Arte y su mundo - El Arte y su mundo

Dos estudiantes transcriben al piano la melodía de una partitura que se encuentra en la tabla.

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Jean Fouquet en el Museo del Prado

Exposiciones - Exposiciones

Exposición en préstamo de la Virgen con el niño y ángeles de Fouquet

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Museo Bargello

Museo dia - Museo día

Una visita al Museo Bargello de Florencia.

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Cúpula de la Catedral de Florencia

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Sobre el proceso constructivo de la cúpula.

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Beauty

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Un vídeo de animación de los cuadros más sugerentes de la historia.

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La techumbre de la catedral de Teruel

Textos - Textos

Sobre la estructura y estilo de la decoración mudéjar del artesonado.

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Gabriel García Márquez PDF Imprimir Correo
Escrito por Jesús Martínez Verón (CREHA)   

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     Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, el coronel Aureliano Buendía había de recordar aquella tarde remota en que su padre lo llevó a conocer el hielo. Macondo era entonces una aldea de 20 casas de barro y cañabrava construidas a la orilla de un río de aguas diáfanas que se precipitaban por un lecho de piedras pulidas, blancas y enormes como huevos prehistóricos. El mundo era tan reciente que muchas cosas carecían de nombre, y para mencionarlas había que señalarlas con el dedo.

Gabriel García Márquez, Cien años de soledad, 1967

 
El estupor de Tolstoi PDF Imprimir Correo
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

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"He aquí algunas líneas extraídas de las notas de un aficionado a la pintura, que se hallaba en París en 1897:

He estado hoy en tres exposiciones: la de los simbolistas, la de los impresionistas y la de los llamados neoimpresionistas; he mirado todos los cuadros con mucho cuidado y concienzudamente, pero todos me han producido igual estupor. La más comprensible de las tres exposiciones me pareció la de los impresionistas. Sin embargo, allí vi obras de cierto Camilo Pizarro [sic], cuyo dibujo era tan indeterminado, que no había modo de saber hacia qué lado estaban vueltas una cabeza o una mano. Los asuntos eran, generalmente, "efectos": Efecto de niebla, Efecto de tarde, Sol poniente. En el color dominaba el azul y el verde intensos. Cada cuadro tenía su color especial del que estaba, por decirlo así, inundado. En la Niña que guarda ocas, el color especial era el verdín, y por todas partes había manchas de ese color, en el rostro, en el pelo, en las manos, en los vestidos. En la misma galería había otros cuadros de Puvis de Chavannes, Manet, Monet, Renoir, Sisley, Redon, todos impresionistas. Uno de ellos había pintado de perfil una cara toda azul. He visto también una acuarela de Pizarro hecha con manchitas de diversos colores. Es imposible distinguir el color general, ni acercándose ni alejándose del cuadro.

Después vi a los simbolistas. Traté primeramente de examinar sus obras sin pedir a nadie explicaciones, deseando comprender por mí mismo lo que significaban. Pero son obras incomprensibles. Una de las primeras cosas que atrajeron mis miradas, fue un alto relieve en madera, ejecutado con torpeza increíble y que representaba una mujer desnuda que hace brotar con sus manos torrentes de sangre de su seno. Corre la sangre y se convierte poco a poco en un líquido de color violáceo. Los cabellos bajan primero, luego vuelven a subir y se convierten en un árbol. La cara es toda amarilla, menos los cabellos que son negros.

Al lado hay una pintura: un mar amarillo, en el cual sobrenada algo que parece un barco y un corazón al mismo tiempo. Del horizonte surge un perfil con una aureola y una cabellera amarilla que se pierde en el mar. Algunos de los pintores ponen en su tela una capa tan espesa de color, que el efecto de su obra oscila entre la pintura y la escultura. Veo otro cuadro más raro aún: un perfil de hombre, que tiene ante él una llama y rayos negros, que representan sanguijuelas, por lo que me han dicho después, pues no tuve más remedio que preguntarlo a una persona que estaba en el secreto de lo que aquello significaba. Me explicó que el alto relieve era un símbolo de la "Tierra". El corazón que sobrenada en el mar amarillo es la "Ilusión", y el hombre de las sanguijuelas es el "Mal".

Esto ocurría en 1894. Después se ha acentuado la misma tendencia. Hoy aceptamos por grandes pintores a Boeckling, Stuck, Klinger, y otros parecidos."

(Leon Tolstoi: ¿Qué es el arte? 1898)

 
Alhambra de Granada, orbe de agua diáfano y transparente PDF Imprimir Correo
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Escrito por Jesús Martínez Verón (CREHA)   

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En la Alhambra de Granada son frecuentes los poemas epigráficos que datan de la época de su construcción. Uno de ellos, situado en el arco de entrada del Mirador de Daraxa, comienza...

 

Yo soy un orbe de agua que se muestra a las criaturas diáfano y transparente
una gran Océano cuyas riberas son labores selectas de mármol escogido
y cuyas aguas, en forma de perlas, corren sobre un inmenso hielo primorosamente labrado.

 

No hace falta ninguna excusa para volver una y mil veces a esta ciudad palacial, orbe del agua, que constituye sin duda una de las joyas del patrimonio artístico universal. Por eso hoy queremos recomendaros dos webs muy interesantes sobre la Alhambra. La primera, como no, es la del PATRONADO DE LA ALHAMBRA Y EL GENERALIFE, la mejor en todos los sentidos, aporta todo tipo de información sobre el monumento, tanto en cuanto a su historia, como a su construcción y noticias sobre el mismo. La segunda, en la que podrás leer poemas como el que acompaña este artículo, tiene carácter más comercial pero también es de visita agradable. Se trata de ALHAMBRA Y GENERALIFE DE GRANADA.
 
La mujer nylonizada PDF Imprimir Correo
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

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"En los Estados Unidos, de donde vienen la mayor parte de influencias en los sistemas de producción de la industria del vestido y también en los nuevos inventos para el hogar (se investiga en neveras, lavadoras eléctricas y también en televisión), el nylon había causado ya al año de su aparición en el mercado (1940) verdadero furor por su elasticidad insustituible en el momento de amoldarse a una pierna femenina. La Du Pont tuvo que abrir una nueva planta de fabricación al tiempo que las relaciones entre los Estados Unidos y el Japón se iban deteriorando paulatinamente. Eso significaba, sobre todo en nuestra historia, que los japoneses, primeros proveedores de la seda con que se fabricaban la mayoría de las medias norteamericanas, comenzaron a hacer el tonto en las exportaciones de seda a Estados Unidos y a amenazar con el embargo del preciado material, cosa que se consumaría con la entrada en guerra de los Estados Unidos en 1941. Tras el ataque a Pearl Harbour, el 7 de diciembre de 1941, la Du Pont, para desespero de las americanas, decide dedicar sus fábricas de nylon enteramente a la elaboración de paracaídas, cuerdas, tiendas de nylon y otros enseres militares. La nuevas medias de nylon que valían, antes de la guerra, un dólar y cincuenta centavos pasaron a costar en el mercado negro no menos de diez dólares y las estrellas de cine subastaban las suyas para contribuir al esfuerzo bélico, con lo que un par de tan preciada prenda podía llegar a costar hasta cuarenta dólares, una verdadera fortuna para la época. Las americanas también tendrían su período de escasez que duraría hasta bien acabada la guerra."

(Margarita Riviere: "Historia de la media". 1983)

 
Lucian Freud PDF Imprimir Correo
Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)   

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Y el esposo. 2001.

Lucian Freud, como tantos otros pintores de su generación, es un heredero directo de la pintura de posguerra. Una etapa caracterizada por sus múltiples propuestas artísticas, aunque todas ellas dominadas por un hondo sentimiento de pesar y abatimiento, provocado por las consecuencias terribles de la II Guerra Mundial.

Entre esas propuestas se encuentran las que se manifiestan dentro del Informalismo europeo, que en sus diversas variantes se extiende como una tendencia a lo largo de las décadas de 1940 y 1950. Y entre las derivaciones del Informalismo se halla la pintura desarrollada por la llamada Escuela de Londres, cuyo principal mentor es Francis Bacon, pero de la que forman parte también pintores como Frank Auerbach, Michael Andrews, Robert Colquhoun o el propio Lucien Freud. En todos ellos la deuda con Bacon es indiscutible, lo que deviene en una pintura de sustrato realista, pero de una profundidad psicológica que llega a distorsionar de variadas formas esa realidad.

Lucian Freud nace en Berlín en 1922, hijo del arquitecto Ernest Ludwig Freud y nieto del famoso psicoanalista Sigmund Freud. Pero muy joven marchará a Londres con toda su familia amenazada por el ascenso del nazismo, convirtiéndose en ciudadano británico en 1939. Será en Inglaterra por tanto donde desarrolle toda su formación y su trabajo. Al principio tímidamente seducido por el Surrealismo, y posteriormente, ya en la década de los años cincuenta, dueño de un estilo propio que irá afirmándose con el paso de los años.

Un estilo de una figuración realista, pero que se desencaja y distorsiona por la fuerza de un expresionismo rotundo y doliente. Un expresionismo enraizado fuertemente en su país de origen, cuyo realismo rasgado de fuertes trazos y gruesos empastes, asumido por pintores como Egon Schiele u Oskar Kokoschka, incide también en la forma de entender la pintura de Freud.

Se trata de una obra figurativa porque son retratos mayoritariamente lo que pinta. Personajes de su entorno, como él decía: “la gente que me interesa y que me importa”, desde su madre a sus esposas, pasando por sus hijas y sus amigos pintores, aunque también se atrevió con un retrato de la reina Isabel II, de la modelo Kate Moss (subastado en 2005 por 4 millones de libras) o del barón Tyssen-Bornemisza, que se exhibe en el Museo de su mismo nombre.

Este singular realismo lo convierte en uno de los principales pintores figurativos del S. XX, explayándose además en pequeños detalles de una exquisita precisión. Pero su visión de la realidad circundante, cargada de esa connotación pesimista que envuelve la pintura de los artistas de su generación, le convierte en un existencialista. En su mano los contornos se retuercen, las líneas se quiebran, las figuras se distorsionan, la luz cobra una potencia inusual, y todo ello envuelto en un espacio que enreda extrañamente al espectador, porque también su forma de construir la perspectiva resulta irreal, siempre vista desde varios puntos de vista simultáneos.

Es esa hondura en los sentimientos y en los avatares del alma humana que expresa tan crudamente en su pintura, la que le otorga toda su valía y la condición de ser unos de los grandes artistas del siglo pasado.

Más allá del vídeo ilustrativo que como es habitual adjuntamos al texto, añadimos también esta vez un interesantísimo documento del pintor y su trabajo en el taller (AQUÍ).

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