Nace en Zaragoza el 26 de agosto de 1950.

Estudios en la  Facultad de  Bellas Artes de San Jorge, Barcelona.  Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Realiza la especialidad en pintura mural en la cátedra de D. Manuel López Villaseñor.

En los años 1971 y 1972 obtiene la Beca de “El Paular” por las Universidades de Barcelona y Madrid, medalla de oro en la exposición de becados por el Ministerio de Educación y Ciencia.  En 1973 Medalla de oro y premio extraordinario fin de carrera de la  Facultad de Bellas Artes, (Universidad Complutense de Madrid).  Beca del Ministerio de Educación y Ciencia. Universidad Menéndez Pelayo. Santander.

Durante los años 1977-79 es pensionado por el Ministerio de Asuntos Exteriores en la Real Academia de Bellas Artes de Roma.

Becado en 1980 por el  Centro de Investigación de Nuevas Formas Expresivas del Museo Español de Arte Contemporáneo. Ministerio de Cultura. Madrid.

En el año 1996 obtiene el Primer  Premio al Proyecto “Reina de la Paz” para la ejecución de una bóveda en la Basílica de Ntra. Sra. del Pilar de Zaragoza, convocado por el diario Heraldo de Aragón en su centenario.

Junto al poeta Javier Delgado, recibió el premio extraordinario de la Librería Cálamo por la edición del libro “Zaragoza Marina”. Con el escritor Ignacio Martínez de Pisón ha publicado “El amor nuevo”, basado en el mural que pintó para  la Fundación Amantes de Teruel.

Cabría destacar también, en los últimos años, la realización de escenografías para danza contemporánea para la obra “Amares”, Compañía Miguel Ángel Berna. Y  “El Trovador”, Compañía La Mov.

El trabajo de Jorge Gay se centra  fundamentalmente en obras murales de gran formato para diferentes espacios públicos como por ejemplo, entre otros,  los techos de la sala de autoridades del Auditorio de Zaragoza, la pintura mural para la escalera de Presidencia del Gobierno de Aragón, etc. De entre los últimos pueden reseñarse, en el año 2009,    El lugar de los sueños del Centro Aragonés de Barcelona y en el 2010 Nazaret en la Iglesia de Ntra. Sra. de Nazaret de Zaragoza.

Jorge Gay en la red

Sala Dalmau, Barcelona

Galería Juan Manuel Lumbreras, Bilbao

Gallery Art Singel, Amsterdam

Jorge, nos gustaría que nos comentases algo sobre tus inicios en el mundo de la pintura. ¿Cuándo viste claro que te ibas a dedicar al arte?

Ignoro que es lo que mueve a un ser humano a pintar, a pasarse las horas pintando en el silencio de su infancia y, con la edad, perseverar en el empeño. Pienso que es un conjunto de factores que se suman y van trazando un camino, al principio casi imperceptible, que va invitando a dedicarse a la pintura.

Desde niño anduve entre lápices y colores, lecturas y objetos que invitaban al ensimismamiento y a imaginar mundos  a los que dar forma.

Para explicar esa iniciación siempre cuento la misma anécdota, pero acudo a ella por ser para mí muy significativa. Mi padre era pintor aficionado y en vacaciones, siempre le acompañaba al campo a pintar acuarelas. En el silencio y la calma de aquellas mañanas podían ocurrir un montón de sortilegios. Yo terminaba rápido e impaciente mi acuarela; como  mi padre no había acabado, seguía con admiración y delectación su trabajo. Ver como lo hacía, la destreza que empleaba para colocar el color y como éste se convertía en árbol, casa o nube, me maravillaba. Sobre todo recuerdo la precisión que empleaba para pintar los pájaros que revoloteaban alrededor de la torre. Era prodigiosa la habilidad con la que hacía algo que estaba en movimiento. Eso me emocionaba. Una emoción así te invita a frecuentarla toda la vida.

Esto sucedía en el pequeño pueblo de La Codoñera. Allí entendí la luz, el color, la armonía del paisaje…. Allí se empezaron a educar los ojos del corazón. Cada uno es del lugar donde se le descubre el mundo, donde lo constata y se te hace presente. Alguien dijo que la fiesta que fue nuestra niñez es lo que nos hace eternos. Allí se me reveló la pintura como medio de suscitar emociones.

He de añadir, y esto también lo considero muy importante para explicar aquellos primeros años, que mis padres eran maestros  y desde ese  lugar, el del magisterio, el de la pedagogía, jamás se opusieron a mi empeño por pintar, más bien al contrario: lo apoyaron siempre. Esa postura no era común ni fácil en aquellos tiempos grises.

Tu pintura ha evolucionado desde tus comienzos pero de una manera personal y coherente, manteniendo siempre unos principios muy sólidos. ¿Cómo ves tú tu propia obra? ¿Coincides con esta apreciación de un hilo conductor a lo largo de toda tu trayectoria?

Perpetuar la emoción primera  de la que he hablado, creo que ha sido, unas veces más conscientemente que otras, lo que ha alimentado mi deseo de pintar: un fluido subterráneo que ha nutrido mi experiencia. De ahí, tal vez, ese hilo conductor.

Pintar es hacer del pensamiento un signo, un gesto que se torna presencia. Pintar e imaginar  deben tener la inquietante capacidad de descubrir las  relaciones ocultas entre las cosas y exigen del esfuerzo de una inteligencia sutil  que sepa  llevarnos al límite  y a la vez nos permita seguir creyendo en la realidad. Para ello debes sentirte preparado, con la formación necesaria y el espíritu abierto a cualquier contingencia.

El gesto de pintar ni se piensa ni se organiza de antemano y cambia conforme cambia el pensamiento del pintor. Es un planteamiento casi arbitrario que mantiene similitud con el trabajo de los científicos. Sabes como y cuando empiezas pero nunca cuando vas a acabar aunque esto desconcierte a los que creen tener todo planificado. El arte, como la ciencia moderna, es la propia vida: sabes que, si trabajas, algo conseguirás  pero no sabes ni cuando ni qué. La ciencia como también el arte, deben más a la casualidad que al genio. La suerte es nuestra primera aliada y la equivocación la segunda. El éxito es fruto de mil errores y la perseverancia está detrás de la suerte y las equivocaciones.

Pintar es ordenar la memoria y construir un mundo. Procuro que lo que esconde este acto tenga capacidad de respuesta y proporcione luz para desentrañar el camino de la vida, para reconocerla. Sé de la dificultad de reconocer esa luz, de comprender el mundo….pero a pesar de todo, sigo sintiéndome con ánimos de intentarlo. Tal vez éste sea el nexo escondido de mi obra: un lugar vagamente optimista de reconocer las cosas y proponerlas en mis obras.

Cuando contemplamos tu obra tenemos la sensación de que es fruto de un proceso creativo muy meditado, reflexivo y metódico, en el que la depuración formal tiene un importante papel. ¿Es así? ¿Qué lugar hay para el impulso y la improvisación en tu trabajo?

Procuro entender  mi trabajo como un lugar lleno de contradicciones conceptuales llevadas lo más lejos posible, lo que nunca me pareció alarmante, pues procuré encaminar mi aprendizaje hacia allí. Eso me permite interpretar el mundo del arte como un paisaje cambiante y flexible, cuya elasticidad provoca un sinfín de paradojas. La inmersión en esas interrogantes y su desarrollo conceden el derecho a equivocarse, a ensayar, a buscar y dudar; de la duda a la reflexión – difícilmente a la certeza – al estado de asombro, a la perplejidad con  el fin de recobrar la capacidad de sorpresa y volver a acariciar la inocencia, si ello fuera todavía posible. Ir del lugar de la apariencia al de la depuración. Encaminarse a materializar un sueño. Esta depuración es un gesto, una actitud ante la vida.

Pintar no deja de ser una respuesta más al misterio del universo y lo importante es que en  esa respuesta tengas algo que decir, algo que contar, algo que aportar. Que a pesar de todos los avatares, de todas las circunstancias, del peso inamovible  de la historia, no pierdas el deseo ni la necesidad de pintar, de expresarte. En el proceso creativo necesitas mantener despierta la capacidad de asombro, estar abierto a todos los cauces, a todos los caminos,  para que desde allí se hagan ciertos el impulso y la improvisación que son imprescindibles en el trabajo diario. Ellos  son los que nutren de esa fascinación, de ese deslumbramiento…. Sin ese chispazo, sin ese asombro, la vida del pintor se haría monótona y aburrida.

Nos consta que no sólo eres un gran pintor sino que también eres un amante de la buena pintura como espectador. ¿Qué artistas o periodos te interesan más en este momento? ¿Cómo crees que influyen en tu propia obra?

Las influencias en mi pintura han sido enormes. Amo el mundo de la pintura y lo disfruto desde su realidad matérica hasta como actitud ante la vida.

Todo aquel aprendizaje, todo el embeleso ante la excelencia que ofrece la historia del arte me ha quedado como una resonancia, como un aroma en el que me dejo envolver para seguir mi trabajo. Todo aquello que aprendí, admiré y admiro lo llevo conmigo como un eco que suena cuando lo necesito en el momento de pintar.

Con mayor o menor intensidad me han interesado mucho o muchísimo todos los periodos de la pintura, pues todos aspiraron a dar respuesta a ese misterio del que he hablado. Con más dolor o más alegría según los periodos de la historia, todos lo han intentado, de allí mi admiración.

Las influencias, por eso, no son directas, están latentes como un perfume, como una resonancia, como ese eco del que hablaba. Pero al final, quien debe sonar es el tañido de tu corazón hecho pintura; sino fuera así la cosa sería consabida o redundante. Se trata de hacer nuevo todo lo que históricamente resuena en tu interior.

Jorge, eres lo que podríamos calificar un pintor puro en el sentido de que practicas una técnica tradicional. En este sentido es ya un tópico desde hace décadas hablar de la “muerte de la pintura”. ¿Crees en esta crisis o consideras que la pintura en sentido estricto es un arte que permanecerá en el tiempo?

El siglo XX ha sido el de la muerte de la ópera, de la novela, de la sinfonía, del teatro, de la pintura…. pero tras la revisión del páramo necrofílico parece que siguen gozando de buena salud, o al menos de la suficiente.

Cuando se habla de la muerte de la pintura, me coloco un poco al margen y atiendo al aforismo “apuesta por la vida que la muerte esta segura”. Entonces puedo acudir  a ver obras como los hombres de Riace, las pinturas de El Fayun, los frisos del Partenón o los frescos de Giotto en Padua y constato su fuerza, su serena belleza, su inmortalidad. Su presencia me conmueve y me invita a continuar. El portentoso encadenado de fotogramas en “El acorazado Potenkim”, también podría ser un ejemplo moderno de esa conmoción.

El arte no es una línea recta y continua, no es una flecha que se dirige a una diana, es una espiral que crece y se ensancha interminable, y a la que no hay que pedirle conservadores retornos al pasado ni renovados y constantes saltos al vacío, hay que dejarla que se expanda libremente.

Por esta razón, por ese trazado espiral que se agranda, alimentándose siempre de la misma fuente entiendo yo que la pintura de Velázquez no  es superior a la de Altamira, ni Picasso preferible  a Mantegna, ni el Partenón más relevante que Rondchamp. Esa es la tarea: reconocer los arquetipos  que nacieron de esa fuente inmemorial y saber hacerlos nuevos, actuales.

El propio ejercicio de la pintura, como tal, también está evolucionando . El concepto de la “profesión”, el mercado artístico, los canales de difusión que tienen su origen en el siglo XIX están siendo puestos en cuestión en las últimas décadas. ¿Qué opinas de fenómenos como el graffiti o el arte callejero en general personificado en autores tan divulgados últimamente como Banksy?

Superada la carrera de los ismos, de las vanguardias, el tiempo ha demostrado que la pintura es sólo una: no es abstracta o figurativa, clásica o romántica, virtual o conceptual….

La pintura es una y  ha quedado como gesto, como actitud ante la vida. A ella acudo para expresarme, para comunicarme. Lo importante no es el medio ni el soporte en que lo hagas, por más actuales, hipnóticos o técnicamente avanzados que sean éstos. Lo importante, lo imprescindible es tener algo que decir: emocionar, fascinar con ello y procurar un estado crítico, diferente, renovado. Pero emocionar, aunque lo enmascares en las sorpresas de la novedad técnica, no es fácil. Encontrar el lugar álgido de la emoción y convertirlo en gesto artístico: esa es la misión. Lo de menos es el medio que emplees (video, pintura, graffiti, instalaciones….) Hoy todo es susceptible de ser utilizado y pintar es uno de esos lugares desde donde  - porqué no-, poder alcanzar esa emoción. Por eso defiendo la pintura. Podría hacerse un parangón con el teatro. Hemos vuelto al teatro: a la belleza del directo, a la constatación de su fisicidad,  a no tener la experiencia  a través de una pantalla o de un visor. A la pintura le ocurre parecido: saturados como estamos de los encantamientos digitales, hasta puede apetecer sentir la limitación técnica y volver al origen. Lo que no quita para que en un momento dado, cuando lo necesito, acuda a otros soportes u otros medios para realizar mi trabajo: escenografías proyectadas, audiovisuales…atendiendo a mi libertad y la versatilidad del medio; como decía anteriormente, por ninguna razón  hay que cerrarse caminos. Lo contrario se me antoja academicismo y  fundamentalismo.

Además, la velocidad con la que se solapan las experiencias artísticas, nos lleva a un  dilema que ocurre actualmente. Existe, por ejemplo, una reacción importante a la milimétrica perfección de la imagen digital. Ya hay en el mercado cámaras que imitan la textura imperfecta del Super 8 intentando huir de lo normalizado. Por lo tanto, desde  ese lugar de búsqueda de lo no estandarizado, también cabría pensar en la pintura como gesto individual, como respuesta personal al exceso de imagen codificada.

El amor nuevo, pintura mural realizada para la Fundación Amantes de Teruel, acrílico sobre lienzo, 3'30 X 5'60. 2005 (detalle central)

No me siento muy animado ni capaz de dar consejos. Esto al final es un camino solitario; al fin y al cabo se trata de llamar a tu interior.

Otra característica de nuestra página web es que nos interesa mucho internet como vehículo de difusión del fenómeno artístico. ¿Crees que, además de este uso como divulgador, la red y las nuevas tecnologías tienen sentido como soporte de creación artística (net.art, infografía…)?

Cualquier medio que sirva para exponer, presentar, elaborar o inflamar esa concentración, es válido para el mundo del arte. Lo importante es reconocer cual será el más adecuado a tu necesidad. Lo más importante es el equilibro entre el qué decir y el como decirlo. Como alguien dijo: saber poner lo que falta y sobre todo no añadirle nada a lo que sobra.

El arte es uno más allá de tildarlo de clásico, romántico, virtual o conceptual. Será o no será arte. Discernirlo sólo dependerá de nuestra capacidad de comprensión y sentimiento. Cuanto más atentos, más esponjosos, más abiertos, más tolerantes, más sagaces y lúcidos seamos más capaces seremos de hacer arte y disfrutarlo.

Y para acabar, Jorge, cuéntanos en qué estás trabajando en este momento. ¿Qué proyectos tienes y cuáles son tus inquietudes en el terreno artístico?

En este momento preparo un audiovisual, un libro y  las próximas exposiciones de pintura y dibujo para Madrid y Bilbao.

Como conté un día, mi  obra va  procurando  reunir el trazo de los sueños, lo disperso, lo fragmentando, coser el hilo de las ciudades en las que viví; guardar memoria de la vida  mediante la vida de la pintura.

Que desde la depuración, la pintura se exprese con su color e ilumine con su luz. Crear un paisaje donde  poder dar nombre a las cosas. Que la pintura  se haga mensajera de lo que no se ve y de lo que se ha ido. Que el que contempla pueda sentir allí una música viva, una canción de colores encendidos y apagados, de vida que se afirma entre las sombras