DONNA VELATA.

Rafael Sanzio.

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1516.

Museo Pitti. Florencia.

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Rafael es la esencia misma del clasicismo pleno que se desarrolla en las primeras décadas del S. XVI y que representa la culminación del Renacimiento. Si el S. XV, el Quattrocento, había sido una etapa de experimentación y conquistas plásticas, el Cinquecento supone el esplendor definitivo de un arte marcado por la recuperación de los ideales clásicos. No es un periodo prolongado, más bien al contrario, de tal modo que esta fase pronto se verá superada por una corriente rupturista que llamamos Manierismo. Así que cuando hablamos del Cinquecento, como epicentro del Renacimiento puro, nos estamos refiriendo apenas a las primeras décadas de ese S. XVI

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Nadie mejor que Rafael, para personificar ese momento. Él es la perfección técnica, el mejor representante del equilibrio clásico, de la medida perfecta, del ideal humanista, de la simetría compositiva, de la alegría en el color y las luces diáfanas. De la precisión y perfección técnica, del virtuosismo insuperable en la captación de las texturas y las carnaciones. De ahí sus famosas madonnas, bellas, serenas y virtuosas, pero también sus magníficos retratos de una profundidad psicológica equiparable a sus alardes técnicos. Rafael es un pintor de un excepcional virtuosismo, que transmite en sus obras el concepto universal de belleza, entendiendo como tal, la perfección y la armonía.

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EL PORQUÉ DE SU BELLEZA 

Y de las dos cualidades hay de sobra en esta obra. En ella Rafael nos ha retratado a la que fuera su amante más querida, Margherita Lutti, conocida popularmente como la Fornarina por ser la hija de un panadero de Siena. No es su único retrato, también será ella la protagonista del Retrato de una joven (más conocida como La Fornarina), hoy en la Galería Nacional de Arte Antiguo de Roma (1519), aunque éste resulte mucho más rotundo en la consecución de esa plenitud artística que alcanza en esos años, y que constituyen el momento culminante en la carrera de su autor.

La Fornarina aparece en este cuadro en todo el esplendor de su juventud y su belleza, a la que Rafael parece rendirse con cariño en esta obra. Sus recursos para conseguirlo son los que hemos comentado anteriormente y que lo vinculan al pleno clasicismo del Renacimiento. Para empezar, su equilibrio compositivo, enmarcada la figura en un triángulo, remarcado precisamente por el velo que le da título al cuadro. En segundo término la serenidad de la escena, marcada por la propia armonía que se expresa en el rostro de Margherita, preciso en sus facciones, espléndido en sus carnaciones y a la vez sereno en esa expresión suya a la par tranquila y risueña. Por otro lado juega con la luz, oponiendo el entorno oscuro que envuelve la figura con la luz que emana de ella, que de esta manera parece surgir más luminosa y diáfana y más rotunda en sus formas y volúmenes. Esa luz brillante y nítida como sólo Rafael era capaz de captar. Y junto a todo ello, su magisterio en la definición de las texturas, del ropaje especialmente, que ampuloso en sus pliegues y repliegues contrasta con la delicadeza de la piel y del rostro, subrayando así aún más su finura y elegancia. Finalmente el color. Pareciera que en este cuadro no fuera el color gozoso y alegre de otros cuadros de Rafael, aunque no obstante habría que advertir la riqueza cromática de los ropajes, entre el dorado y el blanco, y la gama conseguida en las carnaciones desde el tostado al marfil, pasando por el rosáceo de las mejillas.

La “velada” representa por todo ello el ideal de belleza femenina de Rafael, resumido en esos principios de armonía, perfección y equilibrio que enlazan su obra con la esencia misma del arte clásico,

Con todo y con eso, las palabras se quedan cortas en la descripción de la belleza de esta Fornarina, porque más allá de sus recursos técnicos y formales, está el hechizo que nos produce su contemplación en silencio, la belleza misma que surgiendo desde el fondo del lienzo nos recrea la mirada.