Click on the slide!

San Lorenzo de El Escorial

Mirada CREHA - Miradas CREHA

Comentario monográfico de el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Click on the slide!

Miguel Ángel: "Moisés"

Mirada CREHA - Miradas CREHA

El "Moisés" de Miguel Ángel, en Miradas CREHA.

Click on the slide!

Bronzino: "Alegoría de la lujuria"

Mirada CREHA - Miradas CREHA

Comentario monográfico sobre esta obra extraordinaria de Bronzino.

Click on the slide!

Luis de Morales: "La Virgen con el niño"

Mirada CREHA - Miradas CREHA

Comentario monográfico de una de las obras más conocidas de Luis de Morales: "La Virgen con el niño".

Click on the slide!

Alonso Berruguete: "San Sebastián"

Mirada CREHA - Miradas CREHA

Coemantario monográfico sobre esta obra del Renacimiento español.

Click on the slide!

El Bosco: "El jardín de las delicias"

Mirada CREHA - Miradas CREHA

Comentario monográfico de la obra de El Bosco, "El Jardín de las delicias", en Miradas CREHA.

Click on the slide!

L.B. Alberti: Fachada de la Iglesia de Santa María Novella.

Mirada CREHA - Miradas CREHA

Comentario monográfico en la sección de Miradas CREHA

Click on the slide!

Giorgione: "La tempestad"

Mirada CREHA - Miradas CREHA

Comentario monográfico sobre esta obra fundamental de la pintura veneciana.

Click on the slide!

Renacimiento

El curso en marcha - El curso en marcha

Materiales y recursos didácticos para el tema del Renacimiento.

Click on the slide!

El Pabellón de España en la Exposición Internacional de París 1937.

Sabías que... - Sabías que...

Amplio comentario sobre la Exposición Internacional de París de 1937 y el Pabellón de España.

Frontpage Slideshow (version 2.0.0) - Copyright © 2006-2008 by JoomlaWorks
Iconografía de los Reyes Magos PDF Imprimir Correo
(3 votos, media 5.00 de 5)
Escrito por Ignacio Martínez Buenaga (CREHA)   

 
¿Cuántos eran los Reyes Magos? Las fuentes orientales y occi­dentales sobre las que se basó la ico­nografía de estos personajes no coin­cidían en el número, porque en el Evan­gelio de san Mateo, el único que cuen­ta la adoración de los Reyes, no se de­cía nada de cuántos fueron.  Podían ser dos, cuatro o hasta doce, y si eran nú­mero par era más fácil su representa­ción, ya que al ser tres dificultaban la simetría que los artistas buscaban en las composiciones de grupo. Eso sí, en el año 1439 se había celebrado en Florencia un Concilio sobre la Unión de las Iglesias, y es en ese Concilio donde las Iglesias de Oriente y Occidente habían debatido el dogma de la Santísima Trinidad. El hecho de que los Reyes Magos, por ejemplo, acabaran viendo fijado su nú­mero en tres fue relacionado con el mis­terio de la Santísima Trinidad.

Pero hasta entonces, esta indefinición llevó, por ejemplo, a que después del descubrimiento de América se representara en alguna oca­sión a un cuarto rey, un rey de las Indias Occidentales, para personificar el cuar­to continente recién descubierto.

Sin embargo, los Reyes Magos acaba­ron siendo tres, como todos sabemos, y no sólo porque se pudiera relacionar con la Santísima Trinidad, y sus presentes al Niño recordaran que éste era rey (el oro es la ofrenda a un rey), Dios (el incien­so) y hombre (la mirra, utilizada para embalsamar los cuerpos y, por tanto, re­cuerdo de lo mortal), sino también por­que los tres Reyes representaban a los tres continentes: Asia (Gaspar), África (Baltasar, de ahí que acabase representándose como un rey negro) y Euro­pa (Melchor).

Otro significado simbólico es el que los tres hijos de Noé partieran cada uno a un continente, Sem a Asia, Cam a Áfri­ca y Jafet a Europa.

Se podían identificar también con las tres virtudes teologales: el oro con la ca­ridad, que a su vez se identifica con el color rojo con el que va vestido Mel­chor, el incienso con la fe y con el co­lor blanco, el de Gaspar, y la mirra con la esperanza y el color verde, el color con el que suele vestirse Baltasar.

Por último, no hay que olvidar que en la fase flamenquizante del Gótico se pro­duce una importante variación en el plantea­miento iconográfico de la representación de la Adoración de los Reyes Magos, que se ha mante­nido vigente desde entonces hasta nuestros días. Se trata de la representación del rey Baltasar con la piel de color negro y con rasgos raciales dife­renciados, lo que no ocurría con anterioridad

Esta nueva propuesta tuvo su origen en Ale­mania, a principios del siglo XV, y alcanzó una gran difusión en toda Europa en la segunda mitad de esta centuria.

 

 
Tesoros PDF Imprimir Correo
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

 

000 TesorosSombartGuarrazar

Al comienzo de la cultura sólo encontramos el gusto por el adorno, por el esplendor centellenate de los metales preciosos que se utilizan entonces como aderezo. Después el placer consistió en el máximo ornato. A esto se añade más tarde el placer por la posesión de muchas alhajas, el cual se convierte fácilmente en un placer por la posesión de muchos objetos de adorno.

La primera cima que alcanza esta carrera en pos del oro es el placer por la pura posesión del precioso metal, sea cual sea la forma en la que se presente, si bien continúa prefiriéndose en formas estéticas. Es la época de la acumulación de tesoros. Los primeros documentos históricos que nos hablan de la actitud de los pueblos germanos en relación con el oro (y la plata) datan precisamente de esa época.

Para Gustav Freytag, “los germanos eran un pueblo sin dinero, cuando se lanzaron contra las fronteras romanas; la moneda romana de plata entonces en curso era mala ya desde el siglo III, mero cobre plateado de valor inestable. Así, pues, fue el oro lo primero que cautivó el deseo de los germanos. Pero no les gustaba como metal acuñado, lo codiciaban como adorno de guerra y para las copas de homenaje en los banquetes, como corresponde a un pueblo joven que gusta de exhibir sus riquezas, [...]  Una alhaja valiosa era honra y orgullo del guerrero. Pero para el señor que mantenía al guerrero la posesión de tales joyas encerraba un valor aún mayor. El jefe tenía el deber de ser generoso con sus hombres, y la mejor prueba de esta generosidad era la abundante distribución de valiosos objetos de adorno. Quien podría permitírsela estaba seguro del elogio del trovador y de la alabanza de sus seguidores, así como de poder conseguir en todo momento el apoyo que precisase [...]  En la época de las emigraciones se generalizó, según parece, la costumbre de constituir un tesoro familiar. Leovigildo, hacia el año 568, fue uno de los primeros en formar un tesoro y en adoptar vestiduras reales y el uso del trono; hasta entonces los monarcas visigodos se habían codeado con el pueblo, vistiendo y viviendo como un individuo cualquiera. A partir de aquel momento el poder real va a descansar sobre el imperio, el tesoro y el pueblo.

El tesoro de un monarca estaba compuesto por alhajas y utensilios (primero de oro, más tarde también de plata), brazaletes, fíbulas, diademas, collares, vasos, cuernas, cuencos, fuentes, jarras, bandejas, arneses, en parte trabajados por artífices romanos, en parte de fabricación local; se componía además de piedras preciosas y de perlas, de valiosas vestiduras tejidas en los telares imperiales y de lujosas y aceradas armas. Posteriormente pasaron a formar parte del tesoro las monedas de oro, sobre todo cuando por su tamaño o acuñación se salían de lo corriente; por último también se incluyeron lingotes de oro fundido en forma de barras, a la manera romana, y de ampollas y cuñas, al estilo teutón. También los  reyes preferían el metal precioso trabajado al monótono dinero, y ya en el período de las emigraciones se concedía más valor a un trabajo reputado como fino y bello y a unas piedras preciosas engarzadas. Además se buscaba la suntuosidad en el volumen y peso de los diversos objetos. Se fabricaban en tamaño gigantesco, como era el caso de las fuentes de plata que habían de ser izadas a la mesa por medio de máquinas. Joyas de este tipo eran recibidas por el monarca como presentes intercambiados en todo acto oficial: visitas, embajadas, tratados de paz y, sobre todo, en calidad de tributo por parte de los romanos que estaban obligados a pagar la no despreciable suma de 300.000 libras de oro al año.”

(Werner Sombart: El burgués. 1913)

(Imagen de cabecera: Corona del tesoro de Guarrazar)

 
Antonio Saura, pintor PDF Imprimir Correo
Escrito por Jesús Martínez Verón (CREHA)   
cocktailsaura

Antonio Saura Atarés (Huesca, 1930-Cuenca, 1998) comenzó a pintar como vía de escape a la tremenda enfermedad que le tuvo postrado en cama entre los trece y los diecisiete años de edad.

Completamente autodidacta, en 1950 expuso por primera vez en la desaparecida galería Libros de Zaragoza, ciudad que se situaba por entonces a la vanguardia del arte español de la postguerra. El éxito de sus primeras exposiciones le conduce a París donde entra en contacto con lo más avanzado de la creación artística europea.

En 1957 Saura colabora en la fundación del efímero grupo El Paso imprescindible para entender el proceso de renovación del arte español del momento. Un año más tarde participa, junto a Antoni Tàpies y Eduardo Chillida en la Bienal de Venecia y, ya en 1959, en la Documenta de Kassel.

La pintura de Saura se estructura en series que, sin abandonar nunca la figuración, evolucionan desde el riguroso informalismo en blanco y negro de los años 50 hacia un tono más alegre y colorista en su obra final.

La figura y la obra de Antonio Saura disponen de una web oficial muy interesante en la que se puede encontrar todo tipo de información y una amplia galería de imágenes de buena calidad. Si quieres visitarla AQUÍ.

 
Josephine Nivison Hopper en Mujeres Artistas PDF Imprimir Correo
Escrito por Jesús Martínez Verón (CREHA)   

 The Art Student

R. Henri, The Art Student, 1906

 ADsummertime

E. Hopper, Summertime, 1943

¿Sabes qué tienen en común estos dos cuadros? En ambos la modelo es Josephine Nivison, una pintora norteamericana que ha pasado a los libros de historia del arte como la esposa y modelo casi única de los cuadros de Edward Hopper.

Entre los dos cuadros hay una gran diferencia. En el de 1906, Jo Nivison es una prometedora estudiante de arte que compagina sus dos grandes pasiones: la pintura y la interpretación teatral. En el de 1943, Josephine es una mujer que ha abandonado casi por completo el ejercicio de la pintura en beneficio de la obra de su marido.

El punto de inflexión entre ambas situaciones se sitúa en 1924, cuando Jo Nivison, por entonces una pintora que comienza a ganarse un nombre entre los artistas neoyorquinos, se dispone a participar en una exposición colectiva en el Museo de Brooklyn. En conversación con los organizadores de la muestra, Jo Nivison les propone incluir algún cuadro de un antiguo compañero de estudios que acaba de reencontrar y que no ha conseguido ningún éxito hasta el momento como pintor.

Contra todo pronóstico, Hopper es el gran triunfador de la exposición y alcanza una fama meteórica. Poco después, Josephine Nivison y Edward Hopper contraen matrimonio y ella pasa a convertirse en la modelo de la práctica totalidad de los cuadros de él, abandonando el ejercicio de la pintura. En esta decisión influyó notablemente la actitud de Edward Hopper quien se encargaría repetidamente de infravalorar y despreciar la condición de pintora de Jo Nivison.

Los cuadros de Jo Nivison son en este momento muy poco conocidos. La mayor parte de ellos pertenecen a los fondos del Withney Museum como consecuencia la donación llevada a cabo por la propia Josephine, aunque poco a poco comienzan a despertar interés entre la crítica especializada.

En Artecreha creemos que el caso de Jo Nivison es un buen ejemplo de la marginación que las mujeres han sufrido en el mundo de la creación artística durante siglos. Por eso le hemos dedicado una breve biografía en nuestro blog Mujeres Artistas coincidiendo con la cifra redonda de 100 artículos dedicados a mujeres que han practicado alguna actividad artística. Si quieres leer el artículo, pulsa AQUÍ.

 
Cadena de montaje PDF Imprimir Correo
(1 voto, media 5.00 de 5)
Escrito por F. Javier Jiménez Zorzo (CREHA)   

 

000 CadenaMontaje

La cadena de montaje, una de las mayores revoluciones de la industria en el siglo XX, fue inventada por el empresario norteamericano de la industria automovilística Ransom Eli Olds (1864-1950), fundador de la Olds Motor Vehicle Company en 1897 (futura empresa Oldsmobile). Fue pionero de la producción en serie mediante la aplicación del sistema de “cadena de montaje” años antes que Henry Ford, aunque fue este último el que la llevó a su perfección aplicando los principios del “management científico”(organización del trabajo a partir de estudios de tiempos, movimientos, estandarización de herramienta, planificación, etc.) de Frederick Winslow Taylor (1856-1915)(ingeniero mecánico y economista estadounidense) buscando una mejora del rendimiento del trabajo.

Para ilustrar la cadena de montaje proponemos acceder a la web de “National Film Preservation Foundation” y visionar una serie de films cortos (recientemente recuperados y restaurados, fechados en torno a 1917) sobre el trabajo de la cadena de montaje de la compañía “Dodge Motor Cars”, donde podemos ver las distintas tareas que tenían lugar para el montaje de automóviles. Para acceder pinchar AQUÍ.

 
<< Inicio < Anterior 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 Siguiente > Fin >>

Página 18 de 251

Artecreha también en...

facebook2 logotwitter logoyoutube

Mujeres Artistas

villersmini

Accede

Publicaciones CREHA

  • Publicaciones CREHA
  • Publicaciones CREHA

En línea...

Tenemos 82 invitados conectado(s)
mod_vvisit_countermod_vvisit_countermod_vvisit_countermod_vvisit_countermod_vvisit_countermod_vvisit_countermod_vvisit_counter
mod_vvisit_counterHoy1065
mod_vvisit_counterAyer8594
mod_vvisit_counterEsta semana1065
mod_vvisit_counterSemana anterior65090
mod_vvisit_counterEste mes38472
mod_vvisit_counterMes anterior305398
mod_vvisit_counterDesde 5/5/20078916155

logo_premios_premiado_120x120

Premiado en la

convocatoria 2009

edublogs10_150

El curso en marcha

destacadoscurso

Sección que pretende ayudar al docente en la planificación y desarrollo de la materia de Historia del Arte de 2º curso de Bachillerato.

ACCEDE

Miradas CREHA

destacadosmirada

En nuestra sección Miradas CREHA comentamos más de 240 obras de arte de todos los tiempos. Te invitamos a que leas los que más te interesen.

ACCEDE

Textos

textosp

Textos seleccionados sobre la Historia del Arte de utilidad para profesores y estudiantes.

ACCEDE

¿Qué es...?

destacadosquees

Serie de vídeos de elaborados por el grupo CREHA sobre los aspectos básicos de todos los periodos y estilos artísticos, desde la Prehistoria al siglo XX.

ACCEDE

Vídeo recomendado: Qué es el Cinquecento y el Manierismo

Opina

¿Qué ámbito artístico de los que tratamos en la web te interesa más?
 

+ Noticias de Arte

Entrevista: Miguel Brieva
miguelbrieva

Miguel Brieva (Sevilla, 1974) es uno de los mejores representantes del humor gráfico español del momento. Sus viñetas, de una elaboración muy cuidada e inspirada en las ilustraciones de las décadas de los años 50 y 60, abordan todo tipo de cuestiones políticas, sociales, económicas y culturales con una lucidez impresionante.

Durante los últimos años ha colaborado con las publicaciones españolas más prestigiosas: El País, Rolling Stone, La Vanguardia, Ajoblanco y El Jueves, entre otros.

En noviembre de 2011, el blog El Rollo Higiénico realizó un vídeo con una interesante entrevista a Miguel Brieva que ha sido amablemente ofrecida a Artecreha para su publicación en nuestra web. 

Para ver el vídeo con la entrevista a Miguel Brieva, pulsa AQUÍ