“Una imagen simbólica que reviste especial interés es la de Superman. El héroe dotado con poderes superiores a los del hombre común es una constante de la imaginación popular, desde Hércules a Sigfrido, desde Orlando a Pantagruel y a Peter Pan. A veces las virtudes del héroe se humanizan, y sus poderes, más que sobrenaturales, constituyen la más alta realización de un poder natural, la astucia, la rapidez, la habilidad bélica, o incluso la inteligencia silogística y el simple espíritu de observación, como en el caso de Sherlock Holmes. Pero, en una sociedad particularmente nivelada, en la que las perturbaciones psicológicas, las frustraciones y los complejos de inferioridad están a la orden del día; en una sociedad industrial en la que el hombre se convierte en un número dentro del ámbito de una organización que decide por él; en la que la fuerza individual, si no se ejerce en una actividad deportiva, queda humillada ante la fuerza de la máquina que actúa por y para el hombre, y determina incluso los movimientos de éste; en una sociedad de esta clase, el héroe positivo debe encarnar, además de todos los límites imaginables, las exigencias de potencia que el ciudadano vulgar alimenta y no puede satisfacer.”

(Umberto Eco: “Apocalípticos e integrados”. 1965)

EN HOMENAJE al recien fallecido historietista norteamericano Joseph Herbert Simon (Rochester, 1913 – Nueva York, 2011), que creo tantos personajes de la edad dorada del comic (1930-1940). Fundó “Timely Comics”, compañía que fue el origen de la mítica editorial “Marvel Comics”. Fue, con Jack Kirby, co-creador del personaje de Capitan América. Para acceder a la web del Capitán América (creado en 1941), pinchar AQUÍ.

Gianluigi Colin (Pordenone 1956) es un artista singular que trata de construir la obra de arte a partir del diálogo que pueda surgir entre las imágenes y las palabras.

Su trabajo mira a la historia del arte y mira también al presente cargado de denuncias, y entremezcla uno y otro mundo dando sentido a un arte peculiar que quiere ser ante todo beligerante con sus ideas, basadas en la reivindicación y el compromiso frente a todas las injusticias.

Desde 1998 son numerosas sus exposiciones y perfomances, en las que ha ido variando sus técnicas de aplicación pictórica, hasta llegar hoy a realizar un arte enormemente sugerente de grandes formatos y de técnica muy original, basada en un curioso proceso: en primer lugar, hojea los periódicos; después, elige páginas en donde aparecen imágenes "reveladoras"; a continuación, arruga esas hojas; luego fotografía esas hojas arrugadas; después imprime el archivo en papel de periódico, que se pega sobre un lecho, hecho a su vez de sedimentaciones de papeles de periódico (una especie de "reescritura" de la técnica clásica de la imprimación); finalmente, interviene con las manos sobre este material, con ulteriores pliegues.

Como resultado, vemos unas obras realmente singulares que llaman la atención del público de forma rápida y directa. Las imágenes impactantes y los fragmentos de texto que Colin ha querido resaltar inciden en el espectador, llevándole a reflexionar sobre los temas seleccionados.

Las últimas obras de Colin se exhiben en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y juega con los valores de los mitos clásicos y su reflejo reivindicativo en el mundo actual. Así la exposición se estructura en cuatro apartados: Venus, Mercurio, Saturno, Marte y una instalación, "The Wall", compuesta por 300 óleos de pequeño formato.

Venus sigue representando en el mundo actual un prototipo de mujer cuya referencia sigue siendo la belleza, explotada en este caso a través de las revistas, fotos, cine... porque aun habiendo cambiado el contexto, continúan siendo Venus.

A continuación se da paso a la segunda sección, la de Mercurio. Mercurio desde la antigüedad clásica ha sido considerado como el mensajero de los Dioses, pero también del comercio, y en un curioso silogismo, por serlo del comercio también lo era de los ladrones. Tampoco esto ha cambiado mucho en el mundo actual. Mercurio es ese dios del dinero y las finanzas que se ha convertido en la deidad principal del mundo moderno.

Tras esta sección, Colin exhibe una peculiar obra compuesta por 300 óleos sobre lienzo, The Wall (El Laberinto). Esta pieza representa una alegoría de los laberintos del mundo actual, con sus múltiples referencias entremezcladas y confusas en un caos muy similar al que todos vivimos en el mundo que nos rodea. Así pues, Colin crea un completo caos de imágenes que hacen referencia a hechos significativos de la actualidad, para que cuando el espectador las haya observado todas comprenda en qué consiste realmente el mundo moderno.

Saturno ocupa la cuarta sección de la exposición. Saturno ha sido y es símbolo de poder, que es un fin en sí mismo, implacable y capaz de cualquier atrocidad. Colin muestra a través de sus obras algunos de los males que sufre y a la vez genera la raza humana; calamidades como pueden ser el exterminio judío, la pobreza, las numerosas ejecuciones en china, las lapidaciones de mujeres islámicas o la dictadura de Corea del norte.

En quinto y último lugar, se encuentra la sección de Marte. Marte es el Dios de la guerra, por lo que en este apartado Colin expone una serie de obras en relación con el sentido de las guerras y sus consecuencias catastróficas.

Finalmente, para concluir con la exposición, Colin añade un epílogo que consta de dos obras, una de ellas la más atractiva de la exposición en nuestra opinión. En ella nos muestra una imagen del Partenón de Atenas sosteniéndose entre andamios y salpicado de palabras que nos remiten a la caída económica de Grecia a causa de la crisis actual, que no deja de ser una imagen simbólica y deprimente de nuestra actualidad más próxima.

Aunque Colin deja un resquicio abierto a la esperanza en su última pieza, al escribir "Hope is within reach" (La esperanza está al alcance) sobre una reproducción de La creación de Adán de Miguel Ángel. 

Un autor y una exposición muy recomendable en cualquier caso.

“Quizás las más completas así como las más brillantes de las interpretaciones de la capacidad de la máquina lo fueron en la escultura de Brancusi, pues él exhibía a la vez forma, método y símbolo. En la obra de Brancusi se constata, antes que nada, la importancia del material, con su peso específico, forma, textura, color y acabado: cuando modela en la madera, aún se obliga a conservar la forma orgánica del árbol, insistiendo más bien que reduciendo la parte dada por la naturaleza, mientras que cuando modela en mármol le saca plenamente la suave textura satinada, en las formas más suaves y más semejantes a un huevo. El respeto por la materia se extiende más aún en la concepción del tema tratado: el individuo está sumergido, como en la ciencia, en la clase; en vez de representar en mármol la cara contrahecha de una madre y un niño, pone dos bloques de mármol uno al lado del otro con sólo la depresión de superficie más ligera para señalar los rasgos de la cara; es mediante las relaciones de volúmenes como presenta la idea genérica de madre e hijo; la idea en su forma más tenue. Así también, en su famoso pájaro, trata al objeto mismo, en el modelo en metal, como si fuera el pistón de un motor: el afilado es tan delicado, el pulimento tan fino como si tuviera que adaptarse a la pieza más complicada de maquinaria, en la que tan sólo unos granitos de polvo pudieran impedir su acción perfecta: mirando al pájaro, piensa uno en el casco de un torpedo. En cuanto al pájaro mismo, ya no es ningún pájaro particular, sino genérico en su aspecto más ornitológico, la función del vuelo. Lo mismo ocurre con su pez de mármol o metálico, pareciendo formas experimentales desarrolladas en un laboratorio de aviación, flotando en la superficie sin defectos de un espejo. Este es el equivalente en arte del mundo mecánico que nos rodea por todas partes. Con su perfección adicional del símbolo, y la de las formas metálicas sumamente pulidas el mundo en conjunto y el espectador mismo, se reflejan igualmente: por lo que la antigua separación entre sujeto y objeto está ahora figurativamente cerrada. El torpe oficial de aduanas de los Estados Unidos que deseaba clasificar la escultura de Brancusi como maquinaria o aparatos de fontanería estaba en realidad haciéndole un cumplido. En la escultura de Brancusi la idea de la máquina está objetivada y asimilada en obras equivalentes de arte.”

(Lewis Mumford: "La experiencia estética de la máquina". En: "Técnica y Civilización". 1934)

Para acceder a una MIRADA ARTECREHA sobre la escultura “Madame Pogany” de Brancusi, pinchar AQUÍ.