Comentario de los dos sarcófagos paleocristianos que se hallan en la cripta de la Iglesia zaragozana de Santa Engracia: Receptio animae y Trilogía petrina
Los medios especializados en el mundo del arte se siguen haciendo eco de la disputa que enfrenta a Claude Cassirer, por un lado, y al Museo Thyssen-Bornemisza (e, indirectamente, al estado español) por otro, por la propiedad del cuadro de Camille Pissarro titulado Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto lluvia de 1897 (en la imagen).
Lo que más nos llama la atención es que frente al interés que suscita en los medios internacionales, en los españoles apenas está teniendo repercusión este complicado asunto. De hecho, la sentencia del 12 de agosto de un tribunal federal de California aceptando los argumentos de Claude Cassirer apenas ha sido recogido en nuestro país.
El tribunal acepta que tanto el Museo Thyssen como el reino de España pueden ser demandados por Cassirer por la propiedad ilícita de este cuadro que fue entregado por la abuela del demandante (Lilly Cassirer) a un oficial nazi para librarse de ser enviada a un campo de concentración por su condición de judía.
Aunque el cuadro pasó por muy diversas manos y fue finalmente adquirida por el barón Thyssen en 1976 a un particular norteamericano de manera legal, Claude Cassirer (y por lo visto el tribunal californiano) consideran que la legítima propietaria del cuadro es la familia Cassirer puesto que le fue arrebatada ilícitamente y mediante coacción.
Sin duda un caso interesante sobre la propiedad de las obras de arte (otro más) que habrá que seguir en el futuro. De momento, te recomendamos que accedas a la "ficha" que el Museo Thyssen-Bornemisza dedica en su página web a este excelente cuadro pulsando AQUÍ (no olvides hacer clic sobre "Más información sobre esta obra".
Se acaba de inaugurar la 12 edición de la Bienal de Arquitectura de Venecia que permanecerá abierta hasta el próximo 21 de noviembre.
Cada edición de la Bienal de Arquitectura es una excelente oportunidad para saber qué se cuece en el mundo de la arquitectura internacional, qué es lo más avanzado y quiénes son los profesionales más prestigiosos del momento. No es que vayamos a encontrar en ella grandes proyectos sino que, como si de una pasarela de moda se tratará, veremos diseños arriesgados, innovadores e incluso provocadores.
Por primera vez, la comisaria de la Bienal de Arquitectura de Venecia es una mujer. Se trata de la japonesa Kazuyo Sejima integrante, junto a Ryue Nishizawa del grupo SANAA que ha sido recientemente galardonado con el Premio Pritzker. Bajo su dirección, la Bienal se desarrolla en esta edición con el lema People meet in Architecture.
Una de las características de la Bienal es que los galardones se entregan el día de la apertura de la muestra. Por eso, ya podemos saber que el León de Oro de esta edición ha correspondido al también nipón Junya Ishigami (Kanagawa, 1974) dejando constancia así de la gran potencia de la arquitectura japonesa del momento. El León de Oro por toda su trayectoria ha correspondido a Rem Koolhaas (Rotterdam, 1944).
Para tener toda la información (imágenes, participantes, secciones, noticias...) sobre la Bienal de Arquitectura de Venecia te recomendamos la visita a su web oficial AQUÍ.
Étienne-Louis Boullée (Paris, 1728 - 1799) ocupa un lugar privilegiado en el contexto de los arquitectos revolucionarios franceses de la época ilustrada. Autor de gran prestigio en su época, es conocido por la radicalidad de sus proyectos en los que apuesta por una pureza formal y volumétrica prácticamente sin precedentes.
Su proyecto de Cenotafio para Newton (que puedes ver en la parte superior) es uno de los ejemplos más conocidos de su trabajo. Para comprender las razones por las que Boullée apuesta por este tipo de diseños recogemos lo que el arquitecto escribe sobre la esfera en arquitectura:
"Se puede considerar al cuerpo esférico como continuador de todas las propiedades de los cuerpos. Todos los puntos de su superficie distan lo mismo de su centro. De esta singular propiedad resulta que bajo cualquier manera que contemplásemos el objeto, ningún efecto óptico puede jamás alterar la magnífica belleza de su forma que se ofrece siempre perfecta a nuestra vista.
El cuerpo esférico nos ofrece la solución a un problema que podría ser considerado una paradoja si no estuviese geométricamente demostrado que la esfera es un poliedro infinito. Y es que de la simetría más perfecta deriva la variedad más infinita. Ya que si suponemos la superficie de nuestro globo dividida en puntos, uno solo de estos puntos se ofrece perpendicularmente a nuestros ojos y todos los demás se nos aparecen bajo una inmesidad de ángulos diversos.
Las otras ventajas del cuerpo esférico son: desarrollar a nuestros ojos la mayor superficie posible, circunstancia que lo convierte en majestuoso; tener la forma más sencilla, belleza que proviene de que su superficie no tiene interrupción alguna, y por añadidura a todas estas cualidades, la gracia, ya que el contorno que delimita este cuerpo es tan dulce y tan natural como es posible.
De todas estas observaciones resulta que el cuerpo esférico, bajo todos los puntos de vista, es la imagen de la perfección. Reúne la simetría exacta, la más perfecta regularidad, la grandeza más variada; tiene el mayor desarrollo, su forma es la más simple, su figura se ve delimitada por el contorno más agradable; en fin, este cuerpo se ve favorecido de tal manera por los efectos de la luz que resulta imposible que su graduación sea más agradabe y más variada. He aquí las principales ventajas que obtiene de la naturaleza y que tienen sobre nuestros sentidos un poder ilimitado."
BOULLÉE, Étienne-Louis, Arquitectura. Ensayo sobre el arte, Gustavo Gili, Barcelona, págs. 57-58
Fernando Zóbel (Manila, 1924 - Roma, 1984) ocupa un lugar muy especial dentro del arte español del siglo XX tanto por su trabajo pictórico como por su labor como impulsor del arte de vanguardia, sobre todo gracias a la creación del Museo de Arte Abstracto Español.
Aunque nacido en Filipinas, Zóbel poseía por razones familiares la doble nacionalidad filipina y española. De hecho residió en España durante su infancia, pero al estallar la guerra civil se trasladó de nuevo a Manila donde permanecería hasta el final de la II Guerra Mundial.
Sería durante esta estancia en Filipinas cuando Zóbel se iniciara en el mundo de la pintura, aunque aún de una manera poco formalizada. Poco después se traslada a la Universidad de Hardvard donde se licencia en Filosofía y Letras. El trabajo que le sirve para licenciarse versaba sobre Federico García Lorca, lo que ya nos indica cuál era su visión de España en aquellos momentos.
Desde comienzos de los años 50 comienza a exponer sus cuadros en Estados Unidos y Filipinas muy influido por la pintura de Rothko que le había fascinado desde su llegada a Hardvard. Desde esta influencia, Zóbel irá evolucionando hacia una estética propia en la que la caligrafía oriental irá ganando cada vez más protagonismo. En cualquier caso, la abstracción lírica será siempre su mundo pictórico dominante.
En aquella misma década de los años 50 regresa a España donde residirá largas temporadas, si bien, mantiene también sus estancias en Filipinas puesto que trabaja en la Universidad de Manila. El conocimiento de la obra y la personalidad de la pujante abstracción española de la época, con autores como Feito, Rueda, Chirino, Millares, Saura, etc., le interesa puesto que ve en ella la expresión de una España cosmopolita y avanzada que contrasta con el erial artístico oficial del momento.
Fruto de su colaboración con este grupo de artistas será la creación del Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca, que abrió sus puertas en 1966. Su ubicación, instalación y contenidos convirtieron pronto al Museo en una referencia artística de toda España.
Sobre la figura de Fernando Zóbel, el programa Documentos de Radio Nacional de España ha elaborado un excelente reportaje monográfico, con testimonio de muchos de los artistas que lo conocieron, y que da las claves de buena parte del arte español más avanzado de la época. Si estás interesado, puedes escucharlo pulsando en este podcast.
Eso (sin contar, claro, el trayecto francés), y mucho más, es el Camino de Santiago, una vía repleta de arte románico, gótico, barroco, etc., desde Somport, en Aragón, o desde Roncesvalles, en Navarra, hasta Santiago de Compostela. De esta vía repleta de historias y leyendas, y en la que se hallan implicadas desde la Vía Láctea, (segundo nombre que tiene el Camino de Santiago, pues así lo nombran todos los pueblos de Occidente), ocho catedrales, cientos de iglesias, comerciantes, canteros, escritores, artistas, pícaros y gentes de mal vivir de tiempos diversos, cocinas, vinos y paisajes de Aragón, Navarra, La Rioja, Castilla, León y Galicia, da cuenta el monográfico que le dedica el Centro Virtual Cervantes, que muestra las etapas del Camino a partir del "Liber peregrinationis", que "contiene el testimonio escrito más fiel de la vida del peregrino medieval". Para acceder pinchar AQUÍ.
