Hace apenas unos días nos ocupábamos de la figura de Charles Conder, como representante de la pintura impresionista fuera de Francia, en su caso, en Australia.

En una línea similar, hoy traemos a Artecreha a otro pintor que demuestra la influencia que tuvo el Impresionismo en otros continentes y durante un periodo de tiempo más largo del que solemos creer. En concreto se trata de Frederick Childe Hassam (1859-1935), el pintor que mejor representa el Impresionismo en los Estados Unidos (puesto que Mary Cassatt, aunque norteamericana, realiza el grueso de su obra en Francia).

Los inicios de Frederick Childe Hassam como artista e ilustrador se llevaron a cabo en Boston, en una línea que demuestra su conocimiento y admiración por los grandes maestros del Academicismo europeo. Sin embargo, en 1883, realizó un viaje por Europa (en el que incluyó España) durante el que conoció de primera mano el Impresionismo. 

Seguramente marcado por el impacto que le causó la visión del trabajo de Monet, Renoir, Pissarro, etc., Hassam volvió de nuevo a París en 1886, matriculándose en la Academia Julian. Durante tres años vivió en Francia lo que terminó por asentar definitivamente su estilo en una línea que él mismo calificaba de Impresionismo extremo.

Tras su regreso a Estados Unidos, Frederick Childe Hassam ya no abandonaría los presupuestos impresionistas, llevándolos mucho más allá en el tiempo de lo que ocurrió en Europa. Su éxito fue intenso y duradero, convirtiéndose en uno de los pintores más cotizados para los coleccionistas norteamericanos durante toda su etapa de madurez como artista.

La serie más conocida de Hassam pertenece, precisamente, a su época final, a partir de 1916. Se trata de Flag basada en la reiterada presencia de la bandera norteamericana en las grandes avenidas de Nueva York en coincidencia con la preparación de la entrada de los Estados Unidos en la I Guerra Mundial. La imagen superior pertenece a esta serie, se titula La avenida bajo la lluvia (1917) y tiene la particularidad de que fue uno de los cuadros elegidos por Barack Obama para colgar en el Despacho Oval de la Casa Blanca durante su mandato.

Si quieres saber más cosas sobre Frederick Childe Hassam te recomendamos la página que le dedica la web del Metropolitan Museum, pulsando AQUÍ y una amplia galería de imagenes de sus cuadros, desde AQUÍ.

J.F. Millet: Las espigadoras. Museo d'Orsay. París. 1857.

"Pese a que la callada maestría de Corot era querida y admirada por sus colegas más jóvenes, ellos no quisieron seguirle por ese camino. De hecho, el siguiente cambio tuvo que ver principalmente con los convencionalismos que regían el tema. En las academias todavía imperaba la idea de que los cuadros serios debían representar personajes serios, y que los trabajadores o los campesinos eran temas apropiados para las escenas de género, en la tradición de los maestros holandeses. Durante la época de la revolución de 1848, un grupo de artistas se congregó en la aldea francesa de Barbizon para seguir e! programa de Constable y observar la naturaleza con ojos limpios. Uno de ellos, Jean-François Millet (1814-1875), resolvió ampliar este programa del paisaje a las figuras; se propuso pintar escenas de la vida de los campesinos, mostrándolos tal como eran, esto es, pintar hombres y mujeres trabajando en el campo. Es curioso advertir que esto haya podido considerarse revolucionario, pero en el arte de! pasado los campesinos eran considerados como paletos jocosos tal como Bruegel los había pintado. En el famoso cuadro de Millet Las espigadoras no se halla representado ningún incidente dramático, nada que pueda considerarse anecdótico: no se trata más que de tres atareadas jornaleras sobre una llanura que se está segando. No son hermosas ni atractivas. No existe la sugerencia de un idilio campestre en el cuadro; estas campesinas se mueven lenta y pesadamente, entregadas de lleno a su tarea. Millet ha procurado resaltar su sólida y recia constitución y sus premeditados movimientos, modelándolas vigorosamente con sencillos contornos contra la llanura, a la brillante luz solar. Así, sus tres campesinas adquieren una gravedad más espontánea y verosímil que la de los héroes académicos. La colocación, que parece casual a primera vista, mantiene esta impresión de equilibrio apacible. Existe un ritmo calculado en el movimiento y distribución de las figuras que da consistencia a todo el cuadro y que nos hace percibir que el pintor consideró la labor de las espigadoras como una labor de significación noble".

En E. Gombrich: Historia del arte.

Para todo aquel que quiera realizar un auténtico viaje en el tiempo y recorrer a lo largo y ancho el Imperio Romano es imprescindible utilizar la Tábula Peutingeriana, un auténtico mapa de carreteras o de vías del Imperio Romano desde Iberia o Britania hasta la India, donde mediante dibujos de seis colores se muestra la posición de ciudades, centros termales, villas campestres, etc. Se trata sin duda del mapa más antiguo conservado de las rutas del Imperio Romano, contiene datos del siglo IV y ha llegado hasta hoy gracias a copias medievales.

En la Biblioteca Nacional de Viena se guarda la copia más antigua conservada realizada en 1265 por un monje alsaciano. El mapa no es exacto en su forma pero es totalmente correcto en las distancias, hasta tal punto que ha permitido localizar algunos núcleos de población (Novioregun, cerca de Burdeos). El nombre de Peutingeriana le viene del humanista alemán Konrad Peutinger (1465-1547), anticuario, diplomático, político y economista, que tuvo en su colección este mapa. Para acceder a sendas vistas de la Tábula Peutingeriana, pinchar AQUÍ y AQUÍ.

“Una de las conquistas tradicionalmente atribuidas al arte moderno ha sido la captación y la representación de lo individual. Mientra que el arte clásico idealizaba, mostrando los seres “como debían ser o debían haber sido”, como escribía Aristóteles en la Poética, en la pintura de tema histórico (el único arte considerado, dejando el “retrato” individual para el arte menor), desde el Impresionismo la pintura se ha dedicado a exaltar la peculiaridad de las formas.

Para Proust, la valía de la creación artística residía en que aportaba la particular visión que un artista tenía de la Naturaleza, registrando las imperceptibles e irremediables modificaciones físicas y los momentos fugaces.

La pintura moderna se pobló de muecas, miradas de un instante, gestos insólitos y aislados cazados por azar. La verdad de los seres se manifestaba en los momentos en que éstos perdían la compostura y dejaban que su interior aflorase a la superficie y se expresa visualmente mediante gestos y actitudes inesperados. El Ser verdadero residía en los resquicios del alma y no en la sólida estructura de ésta, en las zonas que el individuo no compartía con los demás. Ya no había dioses ni héroes sino seres anónimos que, en su radical soledad, encarnaban los matices imperceptibles de un alma incontaminada.”

(Pedro Azara: “De la fealdad del arte moderno”. 1990)